Notas de Programa, por Rui Baeta

Luzes de Primavera

Orquestra do Algarve

23 de maio de 2026 — Auditório Municipal de Albufeira

24 de maio de 2026 — Auditório de Gambelas, UAlg

Direção: Yi-Chuan Chen e Giuseppe Stillitano (RCM — jovens maestros)

Solista: Luís Auñón Pérez, oboé

Um programa feito para encantar. Luzes de Primavera foi construído à volta de uma ideia simples mas preciosa: a de que a música pode ser uma janela aberta sobre o mundo, deixando entrar o ar fresco, a claridade e a alegria de existir. Quatro obras, quatro vozes distintas — mas todas a falar, com diferente sotaque, da mesma coisa.

Ermanno Wolf-Ferrari (1876–1948)

Suite Veneziana, op. 18 (1935/36)

Ermanno Wolf-Ferrari nasceu em Veneza, filho de um pintor alemão e de uma mãe italiana, e essa dupla identidade acompanhou-o toda a vida — por vezes como riqueza, por vezes como dilema. Na década anterior à Primeira Guerra Mundial, foi um dos compositores de ópera mais representados da Europa. A guerra, que chamou “a guerra da minha pátria contra a minha mátria”, cortou-lhe o caminho em dois. Nunca voltou completamente ao sucesso de antes.

A Suite Veneziana nasce nesse contexto de recolhimento. Composta em 1935/36, quando o compositor se havia afastado dos palcos de ópera, é uma obra para pequena orquestra de cordas que evoca a Veneza dos canais e das lagoas — mais do que a cidade real, uma Veneza interior, recordada e sonhada. Os seus quatro andamentos — Auf der Lagune (Na lagoa), Barkarole (Barcarola), Notturno (Canali solitari — Canais solitários) e Festlicher Morgen (Manhã festiva) — têm uma melancolia doce, como quem olha para algo belo sabendo que está a desaparecer. É música que seduz sem esforço, que encanta sem artifício — uma das joias menos conhecidas do repertório orquestral do século XX.

Richard Strauss (1864–1949)

Concerto para Oboé em Ré Maior, TrV 292 (1945)

A história desta obra começa com um encontro improvável. Na primavera de 1945, quando a Alemanha se rendia e os exércitos aliados avançavam, um jovem oficial americano chamado John de Lancie bateu à porta de Richard Strauss, em Garmisch-Partenkirchen, na Baviera. De Lancie era músico profissional — oboísta principal da Orquestra de Pittsburgh fardado de soldado — e aproveitou o momento para perguntar ao velho e celebre compositor, então com 80 anos, se alguma vez havia pensado escrever um concerto para oboé. Strauss respondeu que não, e não disse mais nada.

Mas a pergunta ficou. Nos meses seguintes, Strauss compôs o concerto que agora ouvimos: completou o esboço em setembro de 1945 e a orquestração em outubro, já em Berna, na Suíça. A estreia deu-se em Zurique, a 26 de fevereiro de 1946, com o oboísta suíço Marcel Saillet como solista.

O que torna esta obra extraordinária não é apenas a sua beleza — que é inquestionável —, mas o que essa beleza significa no contexto em que nasceu. Strauss permanecera na Alemanha durante todo o conflito, testemunhando a destruição de um mundo inteiro. E no entanto, o Concerto para Oboé é uma música de luminosidade, de pastoral serenidade, de graça clássica. Não há nenhuma referência à guerra, ao trauma, à catástrofe. Em vez disso, Strauss voltou ao modelo de Haydn e Mozart — forma clara, orquestra de câmara transparente, melodia fluente e contínua — como se a música pudesse ser um refúgio, ou uma afirmação de que o belo sobrevive.

A obra divide-se em três andamentos. O Allegro moderato inicial apresenta o oboé num diálogo íntimo com a orquestra, com a flauta e o clarinete como interlocutores privilegiados. O Andante central é de uma expressividade tocante — lento, meditativo, com a qualidade das cenas líricas das grandes óperas tardias do compositor. O Vivace final é puro capricho: ágil, lúdico, com um carácter quase dançante que faz lembrar o Strauss dos seus bailados e das suas comédias musicais.

O Concerto para Oboé é também, tecnicamente, um dos mais exigentes do repertório — o solista é chamado a sustentar frases longas com extraordinária regularidade de ar e som, numa escrita que explora toda a extensão do instrumento. Luís Auñón Pérez, oboísta solista da Orquestra Sinfónica Portuguesa no Teatro Nacional de São Carlos, estreia-se hoje como solista com a Orquestra do Algarve numa das obras mais amadas — e mais difíceis — do repertório para oboé.

Fanny Mendelssohn Hensel (1805–1847)

Abertura em Dó Maior (c. 1830)

Fanny Mendelssohn cresceu na mesma casa que Felix, recebeu a mesma educação musical de excelência, mostrou desde cedo o mesmo talento extraordinário. Mas era mulher — e isso, na Europa do início do século XIX, significava que o seu caminho era diferente. O pai escreveu-lhe, quando ela tinha vinte e três anos: “A música pode vir a ser a profissão do teu irmão Felix, mas para ti deve ser apenas um ornamento.” Felix, que a admirava profundamente, chegou a publicar algumas das suas canções sob o seu próprio nome.

Fanny compôs ao longo de toda a vida — mais de 400 obras, incluindo canções, peças para piano, música de câmara e obras corais —, mas quase tudo ficou inédito durante a sua vida. A Abertura em Dó Maior é a sua única obra puramente orquestral, e permaneceu desconhecida durante mais de um século após a sua morte. Só em 1992 a maestrina JoAnn Falletta e a Women’s Philharmonic de São Francisco a recuperaram do arquivo Mendelssohn e a gravaram — a primeira vez que foi ouvida em público desde as raras execuções que a própria compositora dirigiu no salão da sua casa em Berlim.

A obra revela uma compositora de plena confiança. Escrita em forma de sonata-allegro, começa com uma introdução lenta e solene, à qual se segue um Allegro vivo e brilhante, com melodias que saltam de naipe em naipe, diálogos entre cordas e sopros, e uma energia jubilosa que nada deve a qualquer outra assinatura que não a dela própria. Esta temporada, a Orquestra do Algarve tem apresentado obras de Fanny Mendelssohn ao longo de vários concertos — reafirmando que a história da música está ainda a ser escrita, e que há tesouros que chegaram tarde demais mas que chegaram.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)

Serenata nº 9 em Ré Maior “O Postilhão”, K. 320 (1779)

Mozart tinha 23 anos quando compôs esta Serenata, em Salzburgo, no verão de 1779. Destinava-se às celebrações de fim de ano letivo da Universidade de Salzburgo — a chamada Finalmusik —, uma cerimónia ao ar livre em que a música servia de enquadramento festivo para a despedida dos estudantes. O manuscrito está datado de 3 de agosto de 1779.

A obra recebeu o seu apelido — “O Postilhão” — graças a um instrumento que durante muitos séculos foi o mensageiro sonoro da Europa: a trompa postal. Os postilhões eram os condutores das diligências do correio, e cada carruagem tinha o seu som particular, uma sequência de notas que anunciava a chegada à estação seguinte. Mozart convocou esse instrumento para um solo no segundo trio do segundo minueto — e foi o suficiente para que o nome ficasse.

Mas a Serenata “Postilhão” é muito mais do que esse momento célebre. Mozart orquestrou-a com uma generosidade invulgar — flautas, oboés, fagotes, trompas, trompetes, tímpanos e cordas —, e dentro desta paleta escreveu uma obra em que a leveza e a ambição coexistem. Neste concerto apresenta-se uma versão seleccionada dos seus andamentos mais significativos: o grandioso Adagio maestoso — Allegro con spirito inicial, o gracioso Andantino, o elegante Menuetto e o irresistível Finale: Presto — um galope para a linha de chegada que encerra o concerto com toda a exuberância e o brilho que Mozart soube, como ninguém, transformar em arte.

Há na Serenata Postilhão um sentido de despedida — afinal foi composta para a saída dos estudantes da universidade — mas também uma promessa de regresso. Como a primavera, que todos os anos esperamos o seu regresso.

Rui Baeta,

19 de maio de 2026

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